临摹、写生与创作法

临摹、写生与创作法
临摹与写生，是学习中国画的重要方法。临摹以学习传统为主，也称为“师古人”，写生以学习自然为主，也称为“师造化”。前者重在掌握笔墨技法，后者重在训练观察与造型能力，并积累绘画素材，二者相辅相成，殊途同归，都是学习中自画必不可少的基本功，现分述如下。
临摹
临摹，即“传移模写”，是谢赫提出的“六法”之一。潘天寿先生曾说。“画事除吵卜贩造化’。‘中得心源’以外，还要上法古人。”中国山水画，自南北朝时代独立成科以来，到现在已经历了一千三百多年的历史。通过历代画家的苦心求索，不仅在笔、墨、章法上有一套完整的经验，而且表现方法之丰富也是无与伦比的，这是我们的宝贵财富。所以，潘先生又说：“笔墨技法，既然是我们民族绘画艺术的特点，这种枝怯，既然是多少年代，多少画家的创作经验积累起来的，因此我们就须重视它、整理它，将它继承下来。”（《潘天寿谈艺录》）而继承笔墨技法的有效途径则是临摹。抠正如一个木工，首先必须学会用斧头、用刨子，然后才谈得上做家具。学习山水画的人，只有通过临摹，掌握了运用笔墨的基本技法，才能够用之于写生，用之于创作。如果没有笔墨、章法的基本功夫，就去搞写生、创作，是不会有好成绩的，所以清代王学浩说：“学不师古，如夜行无火。”
临摹通常有四个内容：
1．对临。即面对着别人的画迹或印刷品，按其作品的笔、墨、设色、章法，一丝不苟地照样画下来。初学者，开始时要由易到难，由简到繁，循序渐进，先临一些构图简单的，有了经验后再临复杂的。对临时也可将一幅画分解开来，先专画某一部分，如树、山石，或峰峦等，然后合为全幅。在临本选择上：一要“先工后写”，必须从笔墨工整的画迹开始临，把山、石的结构，材木的穿插弄清楚，老老实实地学会各种笔法、墨法，打下扎实的基础。切不可好高骛远，，一开始就学写意山水，追求所谓笔墨情趣，那会误入歧途的。二要“由近及远”，根据自己的喜爱、先学近代某一家的作品。自己喜爱则易有兴趣，时代相近则易接受。如果能从师学习，有老师当面指点就更好了。在笔墨技法上，摸到一些门径以后，再临摹古代名家的画迹。三要“由专到博”，切忌朝三暮四，浅尝辄止，以免到头来对哪一家都领会不深。清代沈宗赛《芥舟学画编》说：“初学时，则必欲求其绝相似，而几可以乱真者为贵。盖古人见法处，用意处，及极用意而若不经意处，都于临摹时，一一得之干腕下。”可见要专意于一家，才能学到真本领。据说张大千临的石涛山水画，连最有名的鉴赏专家也辨别不出，被一些博物馆当作石涛真品收藏起来。但是学画者，也决不能满足于酷似某家，还需要进千步广泛临摹古今诸名家的作品，只有广泛吸取营养，才能创造出自己的面貌。张大千临摹石涛可以乱真，但他的创作却不象石涛，正困为他曾经遍临唐、宋各家名画，下过刻苦的功夫，所以能成为一代大师。
2．背临。比对临的要求更高一步，它要求学画者，认真研究原作，把它的笔墨、章法，一一熟记于心中，然后背着原作进行摹写。背临有两个好处：一是可以避免面对原作依样画葫芦的毛病，二是可以训练默记的能力，在脑子里储藏丰富的绘画语言。正如作文必须熟读许多好文章一样，学画也要熟记临摹过的名画。如果有几十幅名画烂熟于胸中，那么进行创作时就能熟练地运用各种笔墨、章法了。
3．意临，即临摹一件作品，不要求酷似，而是学其一部分，或取笔法，或取墨法，或取章法，或取风格，或取意境臼正如古人说的，刊市其意不在迹象间也＼这种临摹的好处是比较自由、可以摆脱形似上的羁绊，追求神似，真正把某家的长处融入自己的作品中来。这种作品，如沈颖《画谨》所说，全在神会，“目意所结，一尘不入。似而不似，不似而似。”常保留自己的面貌，具有很大的创作成分。一般是在掌握了一定笔墨功力之后，才采取意临的方法，它可以长期坚持下去。即使是很有成就的画家，也常常要通过意临，不断吸取前人的精粹以充实自己的创作。我们在一些前代画家作品中，可以看见有“法某某笔意”、“拟某某法”的题款，就是属于这一类。它实际上仍是画家本人风貌。
4．读画。清代山水画家王原祁说：“临画不如看画。”这话很有道理。临画是解决“手”的问题，读画是解决“眼”的问题。作画，只有眼高，才能手高。“眼高手低”这一贬意词，用于学画方面，应该说是正常现象，因为学画者如果没有理论水平，没有鉴赏能力，就不可能提高自己的表现能力。看一张画，要能识别它好在哪里，不好在哪里，而且能说出一番道理来：要做到这点，不下一番功夫是不行的。所以，多看、多研究前人的作品，对一个学画者是至为重要的。只有看得多，才能吸收得多；鉴赏力高，才能自觉地克服自己的弱点，使表现方法日趋完美。即使是初学者，对画临摹也要先认真研究原作的表现特点，经过一番思考、体会，再动手画，千万不能看一点，画一点，盲目照搬。读画要落到一个“想”字上面，只有多想才能有所领会，有所获益。
写生
写生，在谢赫的“六法”中称为一应物象形”，是说描绘对象的“形”，必须以客观的“物”为根据。山水画家历来强调“外师造化”，这里面也包含有“写生”的意义。
中国画家是十分重视写生的，凡是有突出成就的山水画家，无不从“师造化”中吸取营养，“穷自然之奥秘，发山川之精微”，才画出了不朽的传世名作。五代荆浩的深入大行山，北宋范宽的入居终南山，元代黄公望的隐居虞山、富春山，近代黄宾虹的九上黄山、五上九华、四茸岱岳，这对于他们的艺术造诣，都起了决定性的作用。所以明代董其昌提出画家要“读万卷书，行万里路”。行万里路的目的就是多观察自然，积累创作素材，写生是学画者必须掌握的基本功。

中国画的写生有两种方法：
1．对景写生
中国画的写生与西画有所不同。西画写生是面对景物，运用透视、色彩等技法，注意光和形体的关系，边看边画，反复增改，直至完成。这种写生法可称之为“直接写生法”。而中国画的写生，却用的是“间接写生法”，画家面对自然，观察多于描绘，常用勾勒手法，画的画稿，只能称为“半成品”。中国写生画，一般分为两步走：对景勾画槁仅是第一步，这时画家着重观察体验，把握客观对象的特征与精神气质，画稿只起加强记忆和为下一步创作提供素材的作用。第二步是对画稿进行取舍提炼，加工创作直至完成。作写生画，重点是在笔墨、章法、意境上下功夫，使作品更具美学价值。荆浩在《笔法记》中，记述了他居住太行山时，对生长于洪谷中的古松，进行了反复的研究，先后勒了数万株古松画稿，认识了古松仰、惬、屈、张的千姿百态，和“不调不荣”的“君子之风”，然后才动笔作画。这种以写生画稿作素材进行创作的方法，荆浩叫做“掇妙创真”。后来石涛说的“搜尽奇峰打草稿”也是这个意思。近代山水画大家黄宾虹，一生遍游名山大川，写生画稿积累至万余帧，这是他取得卓越成就的雄厚基础。要学好山水画，必须以前辈大师为榜样。
2．“目识心记”
中国画还有一种独特的写生方法，是默写法，古代称为“回识心记”，即不用面对实物勾勒临写，而是把所见景物默记于心中，回去后背着画出来。中国画家常有惊人的默写能力。有的人物画家只要看一眼要画的对象，就能“毫发无遗”地默写出来，千古不朽的名画《韩熙载夜宴图》，就是顾闳中观察了韩家夜宴后，背着画出来的。山水画方面，则有吴道子默写嘉陵江三百里山水的事迹，传为千古佳话。据说，安史之乱后，唐玄宗从四川回到长安，当他怀想蜀道嘉陵江风景时，就命吴道子去嘉陵江写生，画出图来观赏，以寄托对嘉陵的怀念。吴道子遵命去了。回长安时，唐玄宗要看他的写生画稿。他回答说：“臣无粉本（画稿），嘉陵山水皆藏于臣胸中。”于是挥毫儒墨，仅用一天时间，就在大同殿壁上画出了嘉陵江三百里景色。如果没有高强的“目识心记”能力，吴道子是完不成这次绘画任务的。可见作为一个山水画艺徒，必须宴有默写功夫，只有具备这种功夫，才能捕捉住阴晴雨雪之奇，行云流水之变，才能储万象于胸中，下笔如有神，为山川传神写照。

创 作 法
以上讲了笔墨、章法、写生等问题，这些都是为创作作准备的、创作是一切技法的综合运用。既然是“创”，就没有固定的方法、程式，画家由于各自的修养、禀赋、爱好不同，创作时采用的方式方法也会有差异，这就不必强求一律。但要搞好创作必须注意些什么问题呢？这方面前人提供了不少宝贵经验，值得我们继承和借鉴。现择其要者简述于后。

“外师造化，中得心源”
“外师选化，中得心源”，是唐代水墨山水的创始者张燥提出来的。据说，张操有一次在荆州官吏陆伴家作客，轩外森森牵竹引起了他的创作激情，就主动要求主人取绢素，当场作画。张操在众多宾客的围观中，旁若无人，挥笔直扫，“若流电激空，惊飓戾天，毫飞墨喷，摔掌如裂”，不多时就完成了一幅奇异的山水画，画面上有苍松怪石，有激水流云，十分生动感人。有一次他的朋友毕宏，向他请教创作经验，他回答了八个字：“外师造化，中得心源”。“造化”，指的是大自然，“心源”是指画家思想感情。说画家在创作过程中，要把客观对象与主观思想感情结合起来，首先是从大自然中吸取创作原料，忠实于所描绘的对象，但做这一步还不够，还需要在头脑中加工制作，并融入自己的激情。“外师造化，中得心源”八个字，揭示了一个正确的创作过程，千百年来，成为指导绘画创作的法则。
张操的创作经验是十分宝贵的。学习山水画创作，一是要深入到大自然中去，以真山真水为创作素材，不能闭门造车，把别人的作品作为创作的唯一依据，关起门来搞“搬山运动”，那不是成材之路。二是要把自然形象加工制作为艺术形象，不能当“照相机”，在照相技术非常发达的今日，绘画之所以没有被照相所代替，正因为它包含着画家的主观精神。画作来源于现实，但高于现实。人们说“西湖风景美如画”， 说明风景虽美，但毕竟不如画家笔下的风景美。一幅绘画，如果没有溶入画家的思想感情，就不是好作品。

“意在笔先”
早在唐代，一些书画家已认识到正确的创作过程，应该是“意在笔先”。书法家卫夫人《笔阵图》中说：“意后笔前者败，意前笔后者胜”。美术评论家张彦远更明确指出：“笔墨形似，皆本于立意归乎用笔”。于是“意在笔先”就成为指导画家进行创作的准则。五代山水画大家荆浩说：“凡画山水，意在笔先”。元代四大家之一的黄公望也说：“或画山水一幅，先立题目，然后著笔。若无题目，便不成画。”用现代文学语言来说，就是要有“主题”，如果写文章没有主题，没有明确的中心，想到什么写什么，结果必然是“下笔千言，离题万里”，不知所云了。画山水也是如此，落笔之前如果没有“立意”、“存想”，便画不好一幅画。就拿前面说那位落笔如惊雷掣电、急风骤雨的泼墨山水画大师张操来说，据目击其作画的符载介绍，张燥在下笔前的神态是“箕坐鼓气，神机始发”。意思是说，他静静地坐在绢素前，凝神屏气地思考，片刻以后，感情奔放才开始作画。可见张燥在作画前也有一个构思立意的过程，否则他也画不出好画来。
至于构思立意包含些什么内容，要解决哪些问题，清代山水画家王原祁有一段详细论述，现摘录于下，以供参考：
“意在笔先，为画中要诀。作画于榻管时，须要安闲恬适，扫尽俗肠（可理解为排除杂念，集中注意力）。默对素幅，凝神静气。看高下，审左右，幅内幅外，来路去路，胸有成竹，然后儒毫吮墨。先定气势，次分间架（即主体结构），次布疏密，次别浓淡。转换敲击，东呼西应，自然水到渠成，天然凑拍。其为淋漓尽致无疑矣。若毫无定见，利名心急，惟取悦人，布立树石，逐块堆砌，扭捏满幅，意味索然，便为俗笔。”

“大胆溶笔，细心收拍”
古人说，作画要“大胆落笔，细心收拾”，这是一条重要的创作经验。意思是说落笔作画时，胆子要大，当章法结构大势勾定之后，就要放笔直写，或提或按，或粗或细，或浓或淡，或干或湿，随机主发，一气呵成，这样画出来的画就清，能贯气，变化也多。等大局已定之后，再回过头来把欠妥的笔改一改，．不足之处补一补，以求细部的完美。如果是用积墨法，·也在这个基础上层层积染，画完画足。
为什么要“大胆落笔”？原因是：1．山水画重气势，如果作画时胆小气弱，运笔欲行不行，用墨心存犹豫，画出来的画就不能得气势，全神气，缺乏艺术感染力。2．山水画景物繁杂、琐碎，如果作画一开始就注意于细部的描绘，谨小慎微，画出来的画就容易气脉不连贯，涣散而缺乏神彩。但是“大胆落笔”还需要结合“细心收拾”，因为落笔之后，可能出现败笔或遗漏，需要修补，再说有时落笔之后，由于灵感迸发，有新的章法生发出来，需要因势利导，以取得意外的情趣。

“功夫在诗外”
宋代大诗人陆游教导他儿子怎样学做诗说，“功夫在诗外”。学画也是一样道理，不能光是学点笔墨技法，要重视其他方面的修养，才能搞好创作。
重视画家修养，是中国绘画的优良传统，宋代鉴赏家赵希鸽要求画家要有三个方面的修养：“胸中有万卷书，目饱前代奇迹，又车辙马迹半天下，方可下笔。”他说的第一个方面，是指要有文学修养。在我国，文学对绘画的影响是深刻的，自苏东坡提出“诗中有画，画中有诗”这一著名理论之后，诗与画就结下了不解之缘。不仅创造诗的意境，成为中国画家追求的最高境界；而且诗文题跋直接入画以后，文学更成为绘画上一个重要的组成部分。所以，如果缺乏文学修养，就不能成为一个好画家。第二个方面，指的是传统的继承。文化总是有继承性的，今天的绘画是从昨天发展而来，不研究传统就不能发展新的绘画。第三个方面是指要有深厚的生活基础，生活是艺术的源泉，没有生活就不可能画出好画。学中国画，除了上述三个修养之外，还要学书法。如果还有余力，再学点篆刻也是大有好处的。一幅中国画常是由诗、书、画、印综合构成的。
许多有名的画家和美术教育家，都一致认为学画要重视“画外”的功夫。潘天寿说：“一天到晚画画，不是办法。画画，不单是技巧问题，有各方面的关系，一天到晚画，手要滑了。要多读书，又要用心读。”陆俨少说：“把全部精力都扑在画上，不问其他学问，也不一定可以得到不断提高的效果。尤其到了相当水平，再想往上提，更是这样。”
在学画时间安排上，陆俨少是“四分读书，三分写字，三分画画。”潘天寿要求学生用“三分读书，一分写字，五分画画，一分其他。”他教育学生说：“画画的人，不能局限于画画一面，对诗文、书法、画论、画史等方面的学识必须很好研究。学识要博，见闻要广。”他还勉励美术爱好者说：“中国画可以自学，我一生就是自学的。但须注意多读书、多鉴赏，否则，就不懂艺术的雅俗高低，难以深入。”

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