“韵”是中国绘画非常重要的范畴，南朝谢赫的《古画品录》里面就提到了中国画实践和品评的六法，第一法就是气韵生动。什么叫韵呢？我们现在所知道的“韵”字是形声字，在古代写成“均”，但是有了“音”旁之后，用音乐比喻，大家比较能理解所谓的“韵”。如果大家听过古琴，可能会对中国艺术关于“韵”的特质有所了解。西方的音乐很多都是有标准音高和音长的，但是中国的音乐，比如说古琴，它在徽位弹响标准音之后，会有在其上下反复的吟猱揉动，形成一系列无法用准确的音高和音长来界定的声响，这是中国非常独特的对于音乐的理解和表达，无法标准化、无法确定化，但真实存在并使音乐更有“余味”。
绘画也是如此，在五代山水画大师荆浩的《笔法记》中，他讲什么是绘画中的韵，他说叫隐迹立形，以隐匿痕迹的方式反而把绘画的形象与意义凸显出来。中国画里面有很多无法准确判定其形态的点、线、墨团，甚至空白的地方，反而是我们非常重要的“韵”的表达，不彰显而含蓄着，这是中华文化独特而一贯的审美追求和价值坚守。正是因为“韵”具有不确定、不标准的特质，那么大家对宋韵的理解也应该是开放的。在宋代，不同的人对于“韵”的理解就不一样，我想东坡对于“韵”的理解和《宣和画谱》对于“韵”的理解就有所不同，在我们这个时代可以对宋韵有更多的自身理解和把握。像黄宾虹先生对于宋韵就有独特的发掘，他看宋代的山水画，欣赏到了以往不太有人欣赏到的黑漆漆的部分，他觉得宋人画的是背面山，是晚上的夜山，他发掘出了宋人黝黑浑厚的美，并把它追溯到中华文化的民族特性，是对宋韵极具高度的新阐发。
我觉得是可以代表我心目当中的宋画高度的作品，比如扬无咎（补之）的《四梅花图》，现藏于故宫博物院。这张画在形上有非常细致的、甚至源于地域的把握，扬无咎是江西人，到现在江西还存有不少的野梅，其形态跟补之的《四梅花图》非常接近，花瓣特别大。他画了一个过程，从含苞未开到盛开一直到凋落，不同时段梅花的形象都把握得非常细致，“格物”在画里有着非常具体的体现。同时它也不偏废内在的这块，画里有文人的心绪表达以及笔墨趣味的呈现，达到了对外在的极致把握与内在的精神自省的完美平衡，这是我欣赏的宋画的高度。
（根据现场录音整理）
